Entrevista a Eugeni Gay Marín


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 Es junto a Camilla de Maffei el ideólogo y fundador de El Observatorio, donde además es tutor en el Curso de Fotografía Documental de Autor. La fotografía le acompaña desde hace años, ya sea en sus múltiples viajes, como en las diferentes escuelas en las que ha impartido clases. Entre sus proyectos están ‘Sikhs’, ‘Yak-42’, ‘Dioses de Alquitrán’ y ‘Desde la Isla Cuántica’, con el que ha sido galardonado en el Festival de Arles y con el que ha recibido el premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2014. Su último proyecto, aún en desarrollo, lo llevará en breve a visitar por sexta vez una pequeña isla de Bolivia en busca de más historias, vivencias, y nuevos sentidos y conexiones a través de la fotografía.

Cuéntanos como fueron tus inicios en la fotografía.

Podría empezar diciendo que alguien me regaló una cámara de pequeño y que ese momento me cambió la vida, pero no, la verdad es que nunca me había interesado por la fotografía hasta que no empecé a viajar. Me di cuenta que podría ser una manera de poder pagarme los viajes y por qué no, vivir de ello. Antes de ponerme con la fotografía decidí terminar la carrera de biología y buscar trabajo de biólogo para ver si me gustaba, pero no fue así, así que me metí en la fotografía de lleno. Estudié dos años y me quedé de profesor en la escuela. Este fue mi paso a la fotografía, a través de la docencia. Compaginaba las clases con mis viajes y proyectos personales.

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-¿Cómo y por qué nació El Observatorio?

El como nació fue a través de un par de cervezas con una buena amiga, Camilla, en las que salió la idea de montar algo. Muchas de estas cosas se quedan en el bar, pero en este caso fructificó.

El porqué es más complejo, yo llevaba ya 7 años dando clases en la escuela donde estudié, una de las grandes escuelas de fotografía de Barcelona,  y ya hacía tiempo que me había dado cuenta que todo aquello que me habían enseñado y todo aquello que yo enseñaba tenía poco que ver con el mundo real del fotógrafo. Aprendí mucho más por mi cuenta, dándome “golpes” contra todo, que en todos esos años. Era una especie de burbuja en la que se creaban necesidades ficticias enfocadas a poco más que retener a los alumnos prometiéndoles que al año siguiente aprenderían más.

Yo tenia años de experiencia dando clases y Camilla a parte de tener experiencia como profesora había montado una pequeña escuela, El Ampliador 1913, así que nos lanzamos a la piscina.

La idea era explicar todo aquello que nos habíamos encontrado en nuestro trabajo como fotógrafos documentales y de autor,  sacar lo superfluo e ir al grano con las cosas que consideramos importantes. Rodearnos de jóvenes fotógrafos con grandes carreras fotográficas para que también pudieran aportar su experiencia y que además al ser jóvenes tuvieran muy presente el momento vital de los alumnos. Apostamos por proyectos a largo plazo, mucho trabajo e implicación. También teníamos claro que no queríamos ser una escuela “embudo”, es decir una escuela en la que todo el mundo entra distinto y salen todos iguales. Por eso hay tanta gente distinta que participa en las clases y los visionados, hay veces que pueden haber hasta 3 y 4 profesores en una clase. Siempre decimos que más que guiar los proyectos acompañamos al alumno en su proceso.

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-Con tu proyecto ‘Desde la Isla Cuántica’ has dado un giro a tu anterior trayectoria. ¿Qué diferencia hay entre tu anterior concepción de la fotografía y la de ahora?

Para mi la concepción de la fotografía creo que no ha cambiado, lo que sí ha cambiado es la forma de trabajar. Llegó un momento en que me cansé de viajar y hacer fotos, me di cuenta que no entendía nada de los lugares, ni empatizaba con la gente. Tampoco me servía ya hacer reportajes en los que te vas unos días a un sitio, disparas mucho y luego editas para una revista o lo que sea. Decidí hacer un parón, reflexionar sobre lo que estaba haciendo y arrancar de otra manera. Así empezó el proyecto “Desde la Isla Cuántica”, muy a largo plazo, haciendo lo que me daba la gana, no dándome por satisfecho casi nunca y trabajando mucho tanto allí  como aquí revisando mil veces las fotos, buscándoles sentido y conexiones entre ellas. A pesar de que no me gustan las etiquetas sigo considerándome un fotógrafo documental clásico, aunque a raíz de este proyecto la gente me ha colocado en la parte más “artística” de la fotografía. Yo sinceramente no lo veo claro, me es muy difícil definirme.

-‘Desde la Isla Cuántica’ es un proyecto todavía en evolución. ¿Hacia dónde pretendes que evolucione?

Este proyecto está en evolución desde el principio. Así como en otros proyectos tenía muy claro al empezar donde quería que fueran, en éste no tenía ni idea, necesité 5 viajes para empezar a saber donde iba. Ahora haré el sexto y es la primera vez que tengo las ideas claras de lo que quiero, eso en parte me parece bien y me da ganas de trabajar, pero a la vez me da un poco de miedo ya que será romper la forma de trabajar en la que hacía fotos sin un objetivo muy claro, y pienso que esto le puede quitar frescura al trabajo. Veremos…

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-Has recibido numerosos premios. El más reciente es el premio Prix Révélation SAIF 2014 del festival de Arles. ¿Qué supone para ti esta serie de reconocimientos?

Uff, esto de los premios es un tema a parte. Evidentemente a uno siempre le gusta que le reconozcan el trabajo, cosa que hace que tengas más ganas de seguir. El problema viene en lo que se ha convertido esta profesión. Tal y como han ido las cosas, nos han convertido a todos en marcas y tu marca será más potente o menos en función de cuantos premios hayas ganado, en qué galerías y festivales has expuesto o en qué medios has publicado. Hay muchos fotógrafos y cada vez se paga menos y en menos lugares, así que si quieres poder pagarte el alquiler de tu casa con tu trabajo tienes que entrar en este mundo de los premios y el reconocimiento. Sabiendo que es un mundo completamente subjetivo (como tiene que ser ya que la fotografía es subjetiva) y que esto es como una rueda en la que es más sencillo ganar, exponer y publicar más, cuando ya has sido premiado, no quiere decir que tu trabajo sea mejor que otros, sino simplemente que por alguna razón a alguien le ha gustado.

-¿Cuál será tu próximo viaje o tu próxima ‘isla’?

Mi próximo viaje será otra vez a Bolivia, quiero terminar el proyecto “Desde la Isla cuántica” siento que ya tiene que llegar a su fin y quiero empezar otro proyecto nuevo allí, aunque creo que será sin tanta implicación como el de la isla.

A parte tengo pensado otro proyecto a otra isla, aunque para este necesito financiación ya que no me llega el presupuesto. Y por último me queda un gran reto para mí, que es el de hacer un proyecto en Barcelona. Nunca lo he hecho y pienso que no puede ser que siendo de aquí no haya retratado mi realidad. No obstante, para mí es muy complicado, espero poder hacer algo a lo largo de 2015.

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Tatiana Moret / Línea Discontinua

Tatiana Moret nos presenta su proyecto “Línea Discontinua”, un proyecto a cuatro manos entre ella y su padre, realizado durante el curso Fotografía Documental de Autor.

foto8‘Línea Discontinua’ es un proyecto dedicado a mi padre, que murió hace más de un año y medio. Una serie de fotografías industriales y de gasolineras que él mismo tomó se transformaron en mi guía para recorrer lugares, personas, recuerdos y paisajes que me acercaran más a él. Es un trabajo común – con imágenes suyas y mías- de búsqueda y de reencuentro con él a través de su universo fotográfico.

La línea discontinua es una imagen que se repite a lo largo de mi viaje y que simboliza lo que me une y a la vez separa de mi padre. Habla sobre lo que está y lo que no está. Es una línea que se rompe, pero que aun así puede prolongarse hasta el infinito.

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Puedes ver el trabajo entero en YouTube

Visita nuestra web si quieres ver más trabajos de nuestros alumnos www.elobservatoriophoto.com

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Cristina Níspero / Family D.R.E.A.M.

Proyecto realizado en collage durante el curso Fotografía Documental de Autor.

Cristina Níspero nos presenta Family D.R.E.A.M.

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El proyecto habla de las relaciones familiares, pero sobretodo de los recuerdos y de cómo se transforman a medida que pasa el tiempo. La distancia hace todo más confuso pero la fotografía ha sido una herramienta para volver al pasado y al mismo tiempo conservar el presente.

Con la intención de analizar mi historia he empezado a revisar las fotos de archivo, aquellas que todas las familias conservan por generaciones en sus álbumes. Por otro lado he comenzado a construir nuevas imágenes tomando fotografías de casa de mi abuela y mediante la técnica del collage las he ido combinando. La idea es ambientar el proyecto en un sueño ya que las imágenes son oníricas y están basadas en los recuerdos.

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Puedes ver el trabajo entero en nuestro canal vimeo

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Tamara López Seoane / Ánima

Seguimos con los trabajos del curso Fotografía Documental de Autor

Tamara López Seoane y su proyecto Ánima

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Ánima es un proyecto que nace de la inquietud por comprender la taxidermia y analizar el porqué de su existencia. Atendiendo a su valor simbólico, el reportaje descuelga esta artesanía de la pared para mostrar de qué está realmente relleno un animal disecado. Para quien lo practica, esta disciplina se convierte en un ritual necesario y cargado de sentido que sirve como herramienta para enfrentarse a la temporalidad de la vida y asumir la muerte. Esta razón de ser se llama Ánima y es a su vez lo que nutre, orienta y da vida a este trabajo.

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Puedes ver el trabajo entero en nuestro canal vimeo

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Carles Zapater / Camí

Los próximos días os iremos presentando los trabajos de los alumnos del curso Fotografía Documental de Autor.

Hoy empezamos por Carles Zapater y su trabajo Camí

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“La paternidad nos transforma, nos hace diferentes. Desde el instante en que abrazas por primera vez a tu hijo, tomas conciencia de la importancia que este “encuentro” tendrá en tu vida. Comienza así el camino hacia el descubrimiento de un nuevo Yo, un viaje emocional hecho de ilusiones y de miedos a la vez. La necesidad de comprender y contar mi experiencia como padre me ha llevado a retratar las situaciones más intimas y cotidianas de mi nueva vida familiar, sin miedo a mostrar su cara más amarga y rompiendo con los tabúes. Éste es un proyecto de largo recorrido y en constante evolución.”

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Puedes ver el trabajo entero en nuestro canal vimeo

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Entrevista a Lurdes R. Basolí

lurdes_2 Nacida en Granollers, Lurdes Basolí descubrió su vocación de fotógrafa en la Universidad. Desde entonces ha tenido una carrera galardonada con algunos prestigiosos premios de fotografía documental gracias sobre todo a su proyecto ‘Caracas, la sucursal del cielo’. Actualmente está trabajando en el proyecto ‘Danube Revisited’, a través del cual nueve fotógrafas recorren Europa siguiendo el curso del río Danubio. Con este viaje pretenden rendir tributo a la fotógrafa Inge Morath, prionera en la agencia Magnum, y reivindicar la voz femenina de la fotografía documental. -Cuéntanos tu relación con El Observatorio. ¿Cuándo empezaste a colaborar con ellos? Empecé el mismo año que iniciaron el curso de documental de autor. Eugeni me lo ofreció y no me lo pensé dos veces. -Tu proyecto ‘Caracas. La sucursal del cielo’ enseña la brutalidad de la violencia y la delincuencia en Caracas.  ¿Qué comporta emocionalmente hacer un trabajo tan explícito? Lo explícito de este trabajo es justamente lo que menos me ha “comportado” emocionalmente. Es en el momento en el que me implico, elimino todos los filtros y busco una intimidad total cuando siento las consecuencias emocionales. Comporta mucho, una especie de muerte para renacer. lurdes_5 -Viendo tu evolución vemos que te has alejado de la fotografía documental y reivindicativa que hacías al principio. ¿Cómo te sientes con este giro en tu trayectoria? No me he alejado de la fotografía documental, aunque tal vez sí de esa parte más reivindicativa. Vivo a través de la fotografía documental, si me alejo de ella me alejo de mi propia vida. Creo que mi evolución es todo lo contrario, cada vez más cerca, tratando de contar aquello con lo que más conecto,  ya sea aquí, en Caracas o en Budapest. En ese sentido creo que no he cambiado tanto, la búsqueda es la misma, pero a medida que evoluciona el concepto de intimidad, también lo hace la aproximación fotográfica. Tal vez la mayor evolución es la eliminación de la prisa, el tiempo de reflexión. lurdes_3 -¿Te preocupa la dimensión estética de tu trabajo? Sin estética no hay fotografía, por lo tanto, por supuesto que me preocupa. Hay que revisar el significado de estética, ya que creo que se confunde fácilmente. -Después del éxito de tus anteriores trabajos, como te planteas tus próximos proyectos? Como te decía, me los planteo de una forma mucho más reflexiva, ese éxito que dices ya pasó y me lo he trabajado durante mucho tiempo para que no me influya lo más mínimo en mi búsqueda fotográfica. lurdes_4 -¿Qué supuso para ti ganar el premio Inge Morath? En este momento de mi vida mucho más que cuando lo gané en 2010. Me estoy refiriendo al proyecto ‘Danube Revisited: The Inge Morath Truck Project’, que después de más de dos años desarrollándolo con otras tres ganadoras del Inge Morath está a punto de hacerse realidad. El día 6 de julio empezamos nuestro roadtrip fotográfico de cinco semanas, desde la fuente del Danubio en la Selva Negra de Alemania hasta el delta del río en Rumanía.

Entrevista realizada por Tatiana Moret

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MATRÍCULAS ABIERTAS!

Ya puedes apuntarte a los cursos 2014-2015

I – Técnica y Composición Fotográfica
II – Lenguaje Fotográfico
III – Fotografía Documental de Autor

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